Теперь небольшие заметки об истории искусств можно видеть в моем instagram! Подписывайтесь на обновления, читайте интересные факты. Есть кое-какие планы на будущее, не пропускайте новостей) Там же, в комментариях оставляйте свои пожелания и заметки. Увидимся!
Кафедральный собор Барселоны - ядро средневекового города. Он находится в самом центре Готического Квартала (Barri Gotic), а его фасад обрамляют средневековые (частично римские) крепостные стены. Фасад и центральная башня храма были завершены только в 1913 году в неоготическом стиле. Собор увенчан 2 башнями фасада, центральным куполом и парой восьмигранных колоколен, характерных для каталонской готики.
С левой стороны стороны фасада находится здание Пиа Альмоина (Pia Almoina) - дом, где ранее раздавали пропитание нуждающимся (ныне - музей Барселонской Епархии), а с правой стороны - Дом Архидиакона (Casa de l'Ardiaca), ныне Городской Исторических Архив.
Интерьер храма образован 3мя нефами с заалтарным проходом (деамбулаторием), апсидой и 26 боковыми часовнями. Под главным алтарем находится крипта Св. Евлалии - мученицы IV в., покровительницы города. За алтарем - алебастровый саркофаг, выполненный учеником Никколы Пизано. Под распятием находится гробница Св. Олегария. Это распятие пользуется огромной популярностью у прихожан - образ Св. Христа Лепантского находился на корабле Хуана Австрийского во время битвы при Лепанте.
Справа от главного алтаря Собора находятся захоронения графа Рамона Беренгера I и его супруги Альмодис - основателей храма. В часовне Невинно Убиенных Младенцев можно увидеть готический саркофаг епископа Рамона д'Эскалас.
По левую руку от средокрестия находится портал Св. Иу со старейшими романскими архитектурными деталями. Справа от главного алтаря расположена Ризница, где хранится так называемое "Сокровище Собора" - ковчег для процессий, установленный на троне короля Мартина I, серебряная дарохранительница 1390, а также рака XV в., украшенная орденом Золотого Руна, принадлежавшим императору Карлу V, который создал в 1519г. кавалеров этого ордена в барселонском Соборе.
В клуатр - внутренний двор Собора можно попасть либо с улицы Бизбе (Bisbe) через портал Св. Евлалии, либо через портал Милосердия (Portal de la Pietat). Также можно пройти из храма - через портал Св. Северия с правой стороны от трансепта, или через часовню Св. Льюсии.
Всем привет, настало время возобновить нашу прекрасную традицию брать интервью у разных крутанов! Сегодня у нас в гостях - Юрий Романюк, концепт-дизайнер. Он расскажет некоторые свои секреты и покажет красивые картинки) Я искренне хочу поблагодарить Юрия за предоставленную информацию и классную графику.
Немного об Юрии Меня зовут Юрий, Сейчас мне 28 лет и я 3д художник по персонажам, параллельно занимаюсь концептами. Работаю в маленькой компании находящаяся в Дубае. До этого я работал в Москве , Аргентине и Санкт- Петербурге.
1 - Как применять знания, полученные в реальном мире, для своего дизайна (концептов, например)? Какие области тебе особенно интересны, может астрономия или материаловедение, химия или еще что-нибудь?
Способ достаточно простой, для начала постараться их не забыть, знания. Меня интересует дилетантская биология, когда я часами рассматриваю насекомых в микроскоп, иногда, то что я там вижу меня не на шутку удивляет или мотивирует. В планах побыть немного “маминым” хирургом и рассмотреть части кого-либо в микроскопе.
2- Когда ты что-то придумываешь, на что особенно обращаешь внимание в своем концепте? На функциональность, эстетическую составляющую, на вау-эффект.
Обращаю внимание на качество исполнения, и будет ли это что-то новое или нет. Концепт не всегда может получиться интересным или удачным, но качество исполнения должно получаться всегда. Если брать тему роботов, то сейчас пристально слежу за пропорциями между несущими частями и подвижными.
3- Какие из уже существующих дизайн-концептов тебе особенно нравятся и почему?
В этот момент меня серьезно вдохновляют работы художника Simon Stålenhag. Ему удается передать в своих роботах не только бездушный дизайн роботов, чем сейчас забиты все галереи, а показать технику или робота с историей в великолепной атмосфере, при этом не вылизывая картинку, обходясь грубыми мазками.
4 - Что скажешь о композиции? Какие знания тебе помогают и на что особенно обращать внимание? Про композицию я могу разговаривать часами. Из-за отсутствия академического образования, эта область долгое время обходила меня стороной. В тот момент я был адептом Гигера и ковров из деталей. Композиция, на мой взгляд, это важное знание и необходимый навык, которые следует отрабатывать и изучать. Разобраться, кто вы есть, если вы от природы не в состоянии нарисовать, слепить, замоделить работу, которая получит аварды или одобрение на мировой арене, то без знаний композиции и академической литературы, большая вероятность просто тратить время без серьезных результатов. Для концептов роботов мне помогла литература по станкостроению и композиции в технике.
5- Рисуешь ли ты скетчи, как они помогают в работе? Если не сложно, покажи несколько штук. Рисую и стараюсь рисовать постоянно, скетчи помогают избавится от плохих идей и форм. На тот момент, когда я рисую скетч, он мне нравится, но наследующий день, скорее всего, я захочу нарисовать что-то поинтереснее. Для меня скетч - это перебирание идей..
6- Что важно в детализации модели? На что обращать внимание, чтобы твой дизайн не смотрелся вычурным и перегруженным, как будто его собрали прямо из всех идей, что были в голове? Как правильно сопоставлять количество деталей и масштаб)
Пропорции, они важнее в детализации, если их не соблюсти, уговнякать можно любую годную модель. Обращать внимание на сопротивление форм и фигур, (Когда например модель имеет плавный силуэт, а формы и объёмы внутри этого силуэта угловатые и агрессивные ) вычурность и перегруженность, это ни что иное как “пересмотренность” и желание уравновесить модель, но без понимания где и как. Читать книги и методички, выполнять практические задания, это натренирует голову и руку сопоставлять количество деталей и масштаб.
7- Что, по твоему мнению, придает бОльшую реалистичность модели? Понятно, что это совокупность факторов, но есть ли какие-то хитрости?
Сразу скажу, что точно не сдвиг красного канала. Я пробовал, не помогает ;) Безусловно, это рендер с хорошей моделью освещения. Например, арнольд, он со своим освещением и стандартными материалами может придать работе достаточно реалистичный вид. А так же Keyshot с HDRI освещением и огромной базой добротных материалов. Последующая обработка в Photoshop может вытянуть вашу картинку, используя фото-референс для коррекции цвета . Другое дело, на сколько реалистично выполнена модель, если она модель, сама по себе во вьюпорте выглядит реалистично, то рендер только улучшит ощущение реальности, но если модель не ощущается реальной во вьюпорте со стандартным материалом , то это будет реалистичный рендер фигурки.
8-Ну и, конечно, стандартное напутствие новичкам.
Ничего и никого не бояться это самое важное, стараться выполнять самые сложные задачи, именно в них будет больше всего ошибок, которые дадут вам рост.
Однажды в Сан Пьетро ин Винколи, именно там, где расположено известное надгробие Папы Юлия II, я купила книгу Анджело Тартуфери о личности и выдающихся работах Микеланджело. Прочла я ее значительно позже, когда готовилась к ГОСу по истории искусств, и она мне показалась весьма информативной. В этой статье я попытаюсь вкратце изложить написанное. Ко всему прочему, я могу посоветовать документальный фильм об истории создания Моисея, о папских противостояниях и церковных реформах. И, несмотря на то, что я не слишком доверяю многим фильмам по истории искусств, этот выглядит интересным и убедительным.
Рождение Микеланджело - это вовсе не
обычное рождение человека, а проявление
Божественного, истинного чуда. Утверждение его
стиля, достигшего вершины непревзойденного
совершенства, стало завершением вековых мук
художественного творчества: Микеланджело, в
самом деле, более «принадлежит небесам, чем
земле». (Вазари)
Микеланджело родился 6 марта 1475 года в городке Капрезе, в крае Казентино, между Ареццо и Кьюзи. В 1488 году он поступил на обучение к флорентийскому живописцу Доменико Гирландайо, под руководством которого копировал фрески Джотто и Мазаччо. Боттегу Гирландайо Микеланджело оставил в 1489, перейдя в сады Медичи у монастыря Сан Марко, где скульптор Бертольдо ди Джованни держал художественную школу, обучение в которой было направлено на усвоение уроков античной скульптуры. Заметив талант юного Микеланджело, покровитель школы Лоренцо Великолепный пригласил его жить в Палаццо Медичи, где состоялись судьбоносные знакомства с ведущими флорентийскими гуманистами.
Дом в Капрезе, где родился Микеланджело
Первые скульптурные работы относятся к началу 1490-х гг. В октябре 1494 художнику пришлось бежать из Флоренции - городу угрожали войска Карла VIII. Сначала он отправился в Болонью, затем в Венецию, но вскоре вернулся опять в Болонью, где провел год, работая над тремя статуэтками для фигурной гробницы Св. Доминика. Во время своего первого пребывания в Риме, в 1496-1501 гг., Микеланджело изваял Вакха (музей Барджело, Флоренция) и Пьету (ударение на последнюю гласную) для ватиканского собора Св. Петра. Весной 1501, вернувшись во Флоренцию, он получил множество заказов, в т.ч. на статую Давида (ныне в Галерее Академии). В 1504 ему поручили фреску Битва при Кашине для зала Пятисот в Палаццо Веккио. К первому десятилетию чинквеченто относятся три тондо - два скульптурных и одно, написанное на доске - Тондо Дони (Галерея Уффици, Флоренция) В марте 1505 г. Папа Юлий II поручил Микеланджело спроектировать для себя монументальную гробницу. Эта работа стала истинной «трагедией» мастера, растянувшись на долгие 40 лет, так и не была исполнена до конца. В мае 1508 г. он начал роспись плафона Сикстинской Капеллы. Последующие годы он работал преимущественно во Флоренции, где ему удалось в какой-то степени воплотить свои архитектурные и скульптурные замыслы: фасад церкви Сан Лоренцо, библиотеку Лауренциана, капеллу Медичи. В 1532-33 гг. Микеланджело сблизился с молодым дворянином Томмадо де' Кавальери, глубокая дружба с которым продолжалась до самой смерти маэстро. Микеланджело сделал для него серию рисунков на мифологические темы, которые хранятся в Британском музее в Лондоне. Весной 1536 он приступил к грандиозной фреске Страшный Суд на алтарной стене Сикстинской Капеллы. По окончании работ, был получен заказ от Папы Павла III на роспись Паолинской капеллы в Ватикане. В преклонном возрасте Микеланджело поддерживала маркиза Виттория Колонна. Для нее он написал картину Распятый Христос с предстоящими, к сожалению, не сохранившуюся. Почти до самых последних дней жизни Микеланджело продолжал работать, заканчивая Пьету Ронданини (Кастелло Сфорцеско, Милан).
Давид
Мрамор, высота 410 см
Галерея Академии, Флоренция
Скульптура была высечена из мраморного блока, над которым начинали работать, однако, безуспешно, два флорентийских скульптора: Агостино ди Дуччо и Антонио Росселино. Микеланджело работал над скульптурой 2 года. Когда она была почти готова, комиссия, состоявшая из великих художников того времени, в том числе - Леонардо да Винчи, Боттичелли, Филлиппино Липпи, Перуджино, приняла решение поставить ее, как символ свободы и независимости, у входа Палаццо Веккио, резиденции правительства города. На данный момент статуя находится в Галерее Академии, а у Палаццо Веккио установлена мраморная копия.
Тондо Дони или Мадонна Дони
Картина на доске, диаметр 120 см
Галерея Уффици, Флоренция
Картину заказал Аньоло Дони, по всей вероятности, по случаю своего бракосочетания с Маддаленой Строцци: это предположение основывается на наличии герба семьи Строцци на прекрасной, с пятью рельефными головами, раме, атрибутированной как работа Баччо да Монтелупо. В этом произведении очевидно влияние эллинистического искусства, особенно показательны в этом отношении загадочные обнаженные фигуры на заднем плане. Это единственная картина на доске, всеми признанная как работа Микеланджело. Она является самым точным примером следования теории живописи самого маэстро: «Я считаю, что живопись тем лучше, чем она ближе к рельефу».
Сан Лоренцо. Гробницы Джулиано и Лоренцо де'Медичи
В первоначальном проекте предполагалось построить отдельное здание, где должны были поместиться 4 гробницы: Лоренцо Великолепного и его брата Джулиано, а также Джулиано, герцога Немурского, сына Лоренцо Великолепного и его племянница Лоренцо, герцога Урбинского. К этим гробницам должны были быть добавлены мавзолеи двух Пап из Дома Медичи: Льва Х и Климента VII. В действительности, проект был исполнен только по отношению к гробницам герцогов, а тела Лоренцо Великолепного и его брата были погребены под статуей Мадонны с Младенцем.
Полусферический свод с кессонами, имеющими перспективный эффект, напоминает купол Пантеона. А сочетание белого (стукко) и серого (пьетра серена) цветов и некоторые элементы берут свое начало в архитектуре Брунеллески. Тем не менее, Микеланджело намеренно развивает и меняет некоторые ренессансные каноны.
Два надгробных памятника полностью разрывают с традиционными иконографией и композициями этого жанра. Новаторство Микеланджело особенно проявилось во всех декоративных элементах. Пирамидальность композиций должна была быть подчеркнута поставленными у оснований саркофагов статуями речных божеств, задуманных, но не исполненных. На саркофаге Джулиано, герцога Немурского помещены лежащие скульптуры, представляющие День и Ночь. На саркофаге Лоренцо, Герцога Урбинского, покоятся Сумерки и Утро (Аврора).
Пьета. Ватикан
Мрамор, 174*195*64
В этой работе тема оплакивания Христа выражена в необычной для итальянской художественной традиции форме. Быть может, маэстро намеревался передать ту божественную красоту, которая доступна человеческому взгляду. В первый и последний раз ваятель подписал работу, поставив свое имя на перевязи, пересекающей грудь Мадонны.
Сикстинская капелла. Ватикан
Великая капелла Ватиканского дворца, посвященная Успению Божьей Матери, известная как Сикстинская капелла, была возведена флорентийским зодчим Джованни де' Дольчи для Папы Сикста IV (Франческо Делла Ровере). В 1480 стены были расписаны ведущими тосканскими и умбрийскими художниками, в числе которых - Боттичелли, Гирландайо, Синьорелли, Перуджино и Пинториккио. Плафон был сплошь выкрашен голубым цветом с золотыми звездами умбрийцем Пьером Маттео д' Амелиа. Микеланджело отговарвиался в течение 2 лет, обосновывая это тем, что не обладает необходимыми профессиональными навыками.
Иконография плафона разделяется на 3 части. Первая состоит из 14 люнетов над окнами с 8 треугольными распалубками над люнетами, где помещены образы персонажей Ветхого Завета, преимущественно - предков Иисуса Христа. В четырех парусах по углам - сцены Юдифь и Олоферн и Давид и Голиаф (со стороны входа), Наказание Амана и Медный Змий (над алтарной стеной). Вторая и третья части - это собственно плафон. Карниз сформирован монументальными «мраморными» тронами, на которых восседают 7 Пророков и 5 Сивилл, возвещающих приход Христа. Центральный прямоугольник разделен на 9 секций посредством писаных архитектурных ребер, исходящих из цоколей с сидениями для 10 пар обнаженных юношей. Между этими юношами написаны монохромные медальоны, имитирующие позолоченную бронзу, с сюжетами из Ветхого Завета. 10 центральных поверхностей заполнены картинами на сюжеты «Книги Бытия», идущими в хронологическом порядке от алтаря к входной стене: Сотворение светил, Отделение света от тьмы, Отделение вод от земли, Сотворение Адама, Сотворение Евы, Грехопадение и Изгнание из Рая, Жертвоприношение Ноя, Потоп, Опьянение Ноя.
Сотворение светил
Микеланджело работал практически в одиночестве, почти все помощники покинули леса капеллы. Он привлекал помощников только для второстепенных деталей - архитектурных элементов, медальонов и путти у тронов Пророков.
Сотворение Адама
Одна из самых потрясающих деталей всего цикла фресок - движение десницы Саваофа, вселяющей в Адама жизнь. В историю искусства всех времен этот жест вошел как один из самых высоких символов.
Грехопадение и Изгнание из Рая
Художник явно стремился к назидательности: велик контраст между прекрасной полнокровной Евой и внезапно состарившейся, землистого цвета женщиной, изгоняемой с Адамом в безжизненное пространство. Зачастую эту картину сравнивают с фреской Мазаччо на ту же тему, написанную столетием раньше в капелле Бранкаччи.
Страшный суд
Для того, чтобы освободить алтарную стену для новой росписи были сбиты 3 фрески Перуджино в нижней части стены. Микеланджело также уничтожил и 2 люнеты, написанные одновременно с плафоном. В двух люнетах изображены ангелы с орудиями Страстей Господних, а под центральным кронштейном - «статуарная» группа Христа Судии и Девы Марии. Средняя часть картины занята фигурами прошедших Суд: слева избранные возносятся на Небеса, справа низвергаются осужденные, в то время как в центре трубят ангелы. В самой нижней части, над алтарем, представлено воскресение из мертвых (слева) и вход в Ад (справа). Согласно постановлению Тридентского Собора от 3 декабря 1563 г., изображение обнаженных фигур в церквяз было запрещено, в соответствии с чем сразу после смерти Микеланджело его верный ученик Даниэле да Вольтерра прикрыл самые срамные части. Расчитска картины шла с 1990-94, впервые были увидены подлинные краски маэстро, а к 400 персонажам добавился еще десяток.
Надгробие Папы Юлия II
Сан Пьетро ин Винколи. Рим
Первоначально предназначавшееся для ватиканского собора Св. Петра надгробие было установлено в церкви Сан Пьетро ин Винколи. Резцу Микеланджело принадлежит только Моисей, Рахиль и Лия, в то время как остальные детали памятника, в основном, выполнены его помощниками, в первую очередь - Раффаэлло да Монтелупо.
Моисей
Статуя была изваяна в 1513-16 гг., а некоторые ее фрагменты были завершены в 1542-45 гг. Пророк изображён с рожками вследствие неверного перевода Вульгатой нескольких строчек библейской книги «Исход». В тексте на иврите сказано, что израильтянам было трудно смотреть в лицо Моисея, כי קרן עור פניו (ки каран ор пнав). Однако, слово «карнайим» (קרניים) имеет на иврите несколько значений (аналогично, например, русскому слову «ключ», так же имеющему множество значений). И с иврита его можно перевести, в том числе, и как «рога», и как «лучи». Следовательно, фразу כי קרן עור פניו можно перевести как «потому что излучало свет лицо его». А не «потому что рогато было лицо его», или «потому что кололось рогами лицо его».
Полную версию этой книги, к тому же не испорченную моими комментариями, Вы всегда можете приобрести на Озоне или где-нибудь еще, где найдете :) Приятного изучения!
Всем привет! Сегодня Вашему вниманию я предлагаю интервью с Alexandre D. Ferra, (www.alexandreferra.com) концепт-художником (в т.ч. игры Dedline), чьи работы Вы наверняка видели на разных ресурсах: 3dtotal, zbrushcentral, cgsosiety и т.п. How to apply achieved knowledge gained in real world to your design (for instance concept design)? What subjects are you more interested in? Maybe astronomy, or material engineering, chemistry, or something else?
I like to keep my curiosity alive it’s an essential quality for me, a basic rule leading to many more, therefore I’m interested in many subjects! Obviously closely related subjects like engineering, design and astronomy, allow me to provide the necessary knowledge to support the credibility of a concept. But I’m unfortunately not an engineer and I am unable to approach design creation with a technical eye like an engineer would. Therefore I try as best I can to acquire the basics and above all the logic from scientific news reports and specialized websites on specific subjects to get a better grasp of the specifications of the real world and how to apply them to designs, using both their strengths and their weaknesses. History of product design is also very interesting, seeing the evolution of a product over time, how its functionalities and ergonomics evolve depending on evolution of the market and technology. I also read books or dissertations on subjects such as transhumanism, economics, mythology, marketing or more simply science fiction novels each being a good source of inspiration and knowledge, this gives me good insight into both past and present philosophies and the opportunity to have a better understanding of the limits and environment of our time and of periods past. And last of all I do a lot of photography. For me working on and understanding light is also paramount, both for the materials used but also for the overall render, as it is part of the design’s credibility, at least as much as does its physical and technical aspect.
What is more important for you when you are designing something? Is it functionality, aesthetics, or you are trying to achieve wow effect? All of the above! I can’t just focus on one aspect, that would be to neglect the design phase. The functionality, the aesthetics and the “wow” effect are all necessary if I want the result to be as realistic as possible and to set it within its own specific environment bringing it to life. When I start working on a concept I try above all to do my research and to properly define the limits that it is likely to encounter during its potential “lifetime”. It’s a bit like creating a character profile. I determine character, dimensions, strengths, weaknesses etc… Then I can start a block mesh work, and establishing a silhouette and the key points of functionality, only then can I put it all together using aesthetics. The “wow” effect comes in at each step where it abides with the rules that I have set myself beforehand, prior to creating the design. It also comes into play during the detailing phase, which is one of the most enjoyable stages. I have to manage to simulate the constraints of the real world and take a few steps back and add that little extra bit that makes the design original with ideas for innovative functionalities or shapes. I think this is both a weakness and a strength of concept design, I try to make the absolute most of this! Which existing concept designs do you like and why? If I had to name but one it would be Syd Mead. He is a huge source of inspiration for me, his professional background allows him to really anchor his concepts into the real world. All the more so, that beyond mere concepts, his illustrations always come in the form of advertising materials that you would usually see in the streets or in magazines, boasting the qualities of a product in its rich and utopic environment. This what I like the most. I have always been fascinated by the world of communication and advertising, and with his concepts he is not only selling his idea of a product but also the lifestyle that goes with it, each of his images includes a entire identity, a whole universe. What more do you expect from a concept, but to be dragged into its world?
Do you sketch and how do you apply it to your work? Could you show some examples? I like to use base meshes or Zbrush to etch a basic silhouette and the main outline of the model. I also use overpaint. For me this is a good way to get an overall idea of the final design and to highlight the relevant areas and to perform different tests. It can be quite complicated to remain inspired on certain areas, changing medium can be a good way to have a fresh look.
Can you say something about composition? What knowledge is useful and what is catching your eye? I tend to use composition in its broadest sense, the rules of composition which apply in the cinema, photography and painting to image structure work as well on the components themselves, in particular on the mechanical parts, this allows me to add much more naturally detail to my works and to get a good balance, thanks to well apportioned distribution of lines, rhythms and details. It’s also a good excuse to establish swiftly a rhythm in terms of colour/materials. Ultimately the final composition of the image is an additional increment in the process used since the beginning
What is important in model detalization? What should you focus on in order for your design not to look fussy and over detailed, as if it was assembled from all ideas that were in your head? How to compare number of details and scale in a right way? My previous answer is already a great help for me during these stages. To which I would add scale. It is essential for the eye to have focal points on which to concentrate. I like to add in a gauge such as a person, a screw, a bolt, a car or a door during the modeling phase, according to the scale of the model, which allows me to then develop the rest while keeping good overall proportions.
What in your opinion makes models more realistic? Of course, it is a summation of facts, but are there any tricks? Paying attention to all these little details will naturally make the model more realistic, the brain detects all of these defects naturally and as a result we find it difficult to accept the model as such, without necessarily understanding why. A good management of scale of detail, of textures but also of masses limit the risks and are also good guides for the creation phase. In imposing these types of rules to one’s process, design comes more naturally. For me it’s important to try to impose as much as possible problems similar to true-life situations, trying to get as close as possible whilst taking advantage of all of the artistic benefits at my disposal allowing me to anchor with greater ease the concept in the real world, which is what makes this job so exciting!
What are you doing now? This year I finished a trailer project on which I have been working with several friends, which I hope will soon be released. Since I have been working on the creation of a personal IP on my free time and my work as a freelance hard surface modeler props & vehicles at Blur and other studios.
Well, and of course the usual farewell for newbies :) It’s really easy when you begin to let technology guide you and to be content with the first results, but that is also the best way to not make any progress and to develop the wrong logic, bad reflexes, while losing what’s the most important in design: your personality. Software is getting each day more simple and you can find tutorials, videos, classes for absolutely everything. One shouldn’t lose sight of the fact that they are just tools and that ultimately the only thing people will remember and that will set you apart will be the way you see, imagine things and how you transcribe them. In the beginning copying others may be a good way to analyse the works of others and to make progress, but the next step must be to take a step back and find out what characterizes us and how to incorporate this into one’s art. This also transpires in the way we convey ourselves and in what is well suited or not to “sell” one’s artistic profile to the general public and to professionals. Publishing at any cost every little piece of work via the social networks in order to be seen is not really the best way to promote oneself and to progress; it may be sometimes better to be patient and publish less work but with more personality and with precise objectives, rather than series of concepts which will drown in the shear mass of data and which will be swiftly forgotten. And this is such more exciting to try to make more than an image, to make something which brings emotion and imagination. Actually, this is the most exciting part of this job for me! Спасибо за помощь Eugene Labinsky.
